“No existe, realmente, el Arte. Tan sólo hay artistas”
-Ernst Hans Gombrich-
-Ernst Hans Gombrich-
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PORTAFOLIO APRECIACIÒN ARTÍSTICA
Curso:
Apreciación Artística –Grupo 01- Viernes 1:00 pm- 4:00 pm
Docente:
Maria Aceneth Zuluaga.
Introducción
Por medio de este portafolio quiero mostrar cuáles fueron mis aprendizajes durante el semestre en el curso de Apreciación Artística, además sintetizo todas y cada una de las asesorías haciendo un reflexión y análisis general de lo que fueron las clases.
Para mi es de gran importancia conocer sobre el arte desde la mirada de un comunicador, pues éste es una virtud, manifestación y precepto que varía de perspectiva dependiendo de quién lo analice. Por otra parte, es vital como estudiantes y profesionales en formación conocer de todo un poco para ser íntegros en nuestra labor y asociarnos a manifestaciones que cada día se encuentran cambiando para mejorar el espacio en el que nos desenvolvemos.
Actividades de clase:
Durante el semestre, la docente trabajó varias temáticas que fueron de mucha ayuda para comprender una parte de lo que entendemos por arte. Las diversas interpretaciones que pueden otorgársele a éste dan cuenta de que las ambigüedades existen y que a parte de ser una creación y habilidad desarrollada por el ser humano, se convierte con el tiempo en una necesidad para la sociedad y su crecimiento.
Apreciación Artística –Grupo 01- Viernes 1:00 pm- 4:00 pm
Docente:
Maria Aceneth Zuluaga.
Introducción
Por medio de este portafolio quiero mostrar cuáles fueron mis aprendizajes durante el semestre en el curso de Apreciación Artística, además sintetizo todas y cada una de las asesorías haciendo un reflexión y análisis general de lo que fueron las clases.
Para mi es de gran importancia conocer sobre el arte desde la mirada de un comunicador, pues éste es una virtud, manifestación y precepto que varía de perspectiva dependiendo de quién lo analice. Por otra parte, es vital como estudiantes y profesionales en formación conocer de todo un poco para ser íntegros en nuestra labor y asociarnos a manifestaciones que cada día se encuentran cambiando para mejorar el espacio en el que nos desenvolvemos.
Actividades de clase:
Durante el semestre, la docente trabajó varias temáticas que fueron de mucha ayuda para comprender una parte de lo que entendemos por arte. Las diversas interpretaciones que pueden otorgársele a éste dan cuenta de que las ambigüedades existen y que a parte de ser una creación y habilidad desarrollada por el ser humano, se convierte con el tiempo en una necesidad para la sociedad y su crecimiento.
Las actividades realizadas durante el curso fueron:
*Exposiciones por parte de la docente.
*Exposiciones por parte de los estudiantes.
*Visitas a: Museo Cementerio San Pedro, Museo de la Universidad de Antioquia.
*Presentación de trabajos escritos.
*Talleres.
*Lectura de libro.
*Evaluación de lectura libro “Cartas a Theo”.
*Conversatorio con el Artista- Muralista Antioqueño Darío Rojas.
*Presentación de trabajo final (Performance)
Logros de clase:
Este curso me fue de gran ayuda, pues abrí mis ojos y mi mente al arte, a lo que él puede significar no sólo para una sociedad, sino también para mi vida. Con las visitas a los museos descubrí la riqueza que posee una ciudad como Medellín y un país con 200 años de existencia como Colombia, la historia del arte a través de las épocas, artistas y obras que han marcado la pauta a nivel mundial…todo, desde los trabajos escritos hasta las visitas y exposiciones dejaron algo muy importante en mi: aprendizaje y enseñanza.
Reflexión:
Considero que ya para finalizar las asesorías de esta clase, es muy importante decir que a pesar de que mis conocimientos adquiridos fueron muchos, todo lo que aprendí, más que por cuenta de la docente fue por mi empeño y dedicación por profundizar en algo nuevo y de lo cual quería saber más de lo que veía en el aula. Mi recomendación es para que la docente del curso si continúa dictándolo cambie sus metodologías de enseñanza, porque a nosotros como estudiantes nos gusta ver que el profesor tiene buen manejo de los temas que dicta, cosa que no noté en Acenetn Zuluaga. Quizá el curso Apreciación Artística pudo haber sido más interesante.
Preguntas:
*¿Por qué el arte es una cuestión de subjetividad?
*¿Quién determina lo que es y lo que no es arte?
*¿En qué medida el arte se ha convertido en una expresión necesaria de la sociedad?
Compromisos:
Con la realización y finalización de la clase quiero comprometerme a seguir dando más de mi para alcanzar las metas propuestas durante cada semestre y a procurar frecuentar más las herramientas que ofrece la Universidad y la tecnología para la investigación y consulta de temas de interés.
EXPOSICIONES SOBRE EL ARTE
COSMOGONÍAConjunto de teorías míticas, religiosas, filosóficas y científicas sobre el origen del mundo. Desde el punto de vista terminológico, la cosmogonía científica suele equipararse a la cosmología. Sin embargo, el término “cosmogonía” pone más énfasis en la comprensión teórica del “inicio”, que según los conocimientos actuales debe entenderse de acuerdo con la teoría de la Gran Explosión o Big Bang.
La cosmología también abarca el estudio de la estructura actual del cosmos. Sin embargo, como el origen y el estado actual del Universo ya no se pueden considerar por separado desde el punto de vista teórico, la distinción entre cosmogonía y cosmología ha quedado obsoleta en ciencia.
ARTE PALEOLÍTICO 
Arte desarrollado entre los años 32.000 y 11.000 a.C., durante el último periodo glacial. Comprende el arte mueble (también llamado arte miniatura o arte portátil) consistente en figuras y objetos decorativos tallados en hueso, cuernos de animal o piedra o modelados toscamente en arcilla, y el arte parietal o rupestre, vinculado al interior de las cuevas en forma de pinturas, dibujos y grabados.
Se clasifica, normalmente, en:
*Representaciones figurativas (animales o humanas)
*Composiciones abstractas (signos y símbolos).
Casi todos los animales aparecen representados de perfil, la mayoría de ellos en estado adulto y fácilmente reconocibles; muchos otros, sin embargo, aparecen incompletos o se identifican difícilmente, y unos pocos, por último, son seres imaginarios
Los animales más representados en el paleolítico fueron:
*El caballo
*El bisonte
Aunque otras especies (como el mamut o el ciervo) predominaron en determinados lugares. Los carnívoros fueron inusuales y los peces y pájaros aparecieron mucho más en el arte mueble que en el rupestre. Los insectos y las plantas tan solo se encuentran en unos pocos ejemplos del arte portátil. No es, por tanto, el arte paleolítico una mera acumulación de observaciones de la naturaleza. Tiene significado y estructura, con diferentes especies predominantes según épocas y regiones.
Arte desarrollado entre los años 32.000 y 11.000 a.C., durante el último periodo glacial. Comprende el arte mueble (también llamado arte miniatura o arte portátil) consistente en figuras y objetos decorativos tallados en hueso, cuernos de animal o piedra o modelados toscamente en arcilla, y el arte parietal o rupestre, vinculado al interior de las cuevas en forma de pinturas, dibujos y grabados.
Se clasifica, normalmente, en:
*Representaciones figurativas (animales o humanas)
*Composiciones abstractas (signos y símbolos).
Casi todos los animales aparecen representados de perfil, la mayoría de ellos en estado adulto y fácilmente reconocibles; muchos otros, sin embargo, aparecen incompletos o se identifican difícilmente, y unos pocos, por último, son seres imaginarios
Los animales más representados en el paleolítico fueron:
*El caballo
*El bisonte
Aunque otras especies (como el mamut o el ciervo) predominaron en determinados lugares. Los carnívoros fueron inusuales y los peces y pájaros aparecieron mucho más en el arte mueble que en el rupestre. Los insectos y las plantas tan solo se encuentran en unos pocos ejemplos del arte portátil. No es, por tanto, el arte paleolítico una mera acumulación de observaciones de la naturaleza. Tiene significado y estructura, con diferentes especies predominantes según épocas y regiones.
ARTE Y ARQUITECTURA PALEOCRISTIANASConjunto de manifestaciones artísticas realizadas por las primeras comunidades cristianas (aproximadamente 600 años después de Cristo). El periodo durante el cual se desarrolló el arte paleocristiano empieza a ser significativo alrededor del 300 hasta el 750 coincidiendo con la última fase del arte antiguo (el arte y la arquitectura romanas, que abarca del siglo II hasta el siglo VII).
El arte cristiano se restringió a lugares de culto ocultos, tales como las catacumbas y los titulae, casas particulares utilizadas para reuniones religiosas secretas. La mayor parte del arte paleocristiano, tanto en pintura como en escultura, deriva del arte romano, apropiadamente adaptado a la espiritualidad de la religión.
RENACIMIENTOPeriodo de la historia europea caracterizado por un renovado interés por el pasado grecorromano clásico y especialmente por su arte. El renacimiento comenzó en Italia en el siglo XIV y se difundió por el resto de Europa durante los siglos XV y XVI.
Artistas destacados de este periodo:
· Filippo Brunelleschi, Arquitecto.
· Masaccio, Pintor.
· Donatello, Fundador de la escultura moderna.
· Pisanello, Retomó la antigua costumbre de acuñar medallas para conmemorar a eminentes figuras.
· Piero della Francesca, Andrea Mantegna y Sandro Botticelli, Pintaron retratos de personajes de la nobleza.
· Rafael.
· Leonardo da Vinci.
· Miguel Ángel.
ART NOUVEAU O MODERNISMO
Denominación que literalmente significa ‘arte nuevo’ y se utiliza para designar un estilo de carácter complejo e innovador que se dio en el arte y el diseño europeos durante las dos últimas décadas del siglo XIX y la primera del siglo XX.
· En España se denominó modernismo.
· En Alemania Jugendstil.
· En Austria Sezessionstil.
· En Italia se conoció como Stile Liberty, en referencia a la tienda de Arthur Liberty, que había sido decisiva en la difusión del estilo por el continente europeo.
Como corriente implicada en el concepto wagneriano del arte total, se manifestó en un amplio abanico de formas artísticas —arquitectura, interiorismo, mobiliario, carteles, vidrio, cerámica, textiles e ilustración de libros— y se caracterizó por su tendencia a utilizar líneas curvas y ondulantes semejantes a latigazos.
Denominación que literalmente significa ‘arte nuevo’ y se utiliza para designar un estilo de carácter complejo e innovador que se dio en el arte y el diseño europeos durante las dos últimas décadas del siglo XIX y la primera del siglo XX.
· En España se denominó modernismo.
· En Alemania Jugendstil.
· En Austria Sezessionstil.
· En Italia se conoció como Stile Liberty, en referencia a la tienda de Arthur Liberty, que había sido decisiva en la difusión del estilo por el continente europeo.
Como corriente implicada en el concepto wagneriano del arte total, se manifestó en un amplio abanico de formas artísticas —arquitectura, interiorismo, mobiliario, carteles, vidrio, cerámica, textiles e ilustración de libros— y se caracterizó por su tendencia a utilizar líneas curvas y ondulantes semejantes a latigazos.
El Art Nouveau tuvo un papel fundamental en el desarrollo de la historia del arte, sobre todo en el campo de la arquitectura. Con su rechazo del academicismo convencional y su nueva interpretación de la relación entre arte e industria, los seguidores de este estilo prepararon el camino para el arte y la arquitectura contemporáneas.
ARTE ABSTRACTO
Estilo artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyas consecuencias múltiples han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.
CUBISMO 
Movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, cuyo objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos.
Desarrollado principalmente por:
· Georges Braque
· Pablo Picasso
Movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, cuyo objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos.
Desarrollado principalmente por:
· Georges Braque
· Pablo Picasso
Pintores cubistas importantes:
· Albert Gleizes
· Robert Delaunay
· Fernand Léger
· Francis Picabia
· Marcel Duchamp
· Roger de La Fresnaye
· Juan Gris.
Escultores cubistas más importantes, que aplicaron a la escultura los mismos principios artísticos que los pintores:
· Pablo Picasso
· Raymond Duchamp-Villon
· Jacques Lipchitz
· Alexander Archipenko.
CONCEPTOS E IDEAS PRINCIPALES DEL CURSO
*Arte. (Del lat. ars, artis, y este calco del gr. τέχνη). amb. Virtud, disposición y habilidad para hacer algo. 2. Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros. 3. Conjunto de preceptos y reglas necesarios para hacer bien algo.*Arte, actividad que requiere un aprendizaje y puede limitarse a una simple habilidad técnica o ampliarse hasta el punto de englobar la expresión de una visión particular del mundo.
*El término arte deriva del latín ars, que significa habilidad y hace referencia a la realización de acciones que requieren una especialización.
*El arte procura a la persona o personas que lo practican y a quienes lo observan una experiencia que puede ser de orden estético, emocional, intelectual o bien combinar todas esas cualidades.
*Tradicionalmente, en la mayoría de las sociedades el arte ha combinado la función práctica con la estética, pero en el siglo XVIII en el mundo occidental se empezó a distinguir el arte como un valor puramente estético que, además, tenía una función práctica.
*Tanto el arte como la ciencia requieren habilidad técnica.
*Los artistas y los científicos intentan crear un orden partiendo de las experiencias diversas y, en apariencia, aleatorias del mundo.
*Los artistas seleccionan las percepciones cualitativamente y las ordenan de forma que manifiesten su propia comprensión personal y cultural.
*Hoy en día el arte se considera, en todas sus categorías, como parte fundamental de los logros de la humanidad y muchos creadores de los más diversos campos artísticos se encuentran entre los ciudadanos más famosos del mundo.
COLOMBIA: 200 AÑOS DE ARTE.
En Colombia como en el mundo entero, el arte ha representado una de las características y factores más relevantes al momento de referirse a la evolución y el progreso que han experimentado las sociedades.
El desarrollo del arte colombiano durante los últimos 200 años es verdaderamente notorio, pues ha estado fuertemente influenciado por las diversas culturas existentes en nuestro país, ya sean las culturas indígenas o las mismas sociedades que van haciéndose modernas con el paso de tiempo y de las cuales surgen nuevos artistas que dan a conocer la riqueza patrimonial por medio de sus obras estableciendo nuevos estilos y formas.
Desde materiales tan simples como el plástico, hasta riquezas tan importantes y representativas como el oro y otros minerales que produce la tierra han servido como materias primas para la elaboración de grandes obras de arte que son admiradas a nivel nacional e internacional no sólo por su belleza, sino también por su exotismo y calidad.
Colombia como país rico en diversidad de culturas, fauna, flora, minerales, entre otros ha permitido que sus artistas tengan fuentes de inspiración muy variadas para la realización de sus obras como en el caso de quienes pintan paisajes y retratos, tallan piedras, esculpen, ponen en escena situaciones, funden metales, entre otras labores que forjan el crecimiento cultural, artístico, social y económico de una nación como ésta.
Gracias a los artistas (formales e informales), a las obras que ellos realizan y a las artes que a la actualidad prevalecen, hoy por hoy conocemos cuanto, cómo y que tal ha sido el desarrollo de un país que aunque es víctima de conflictos, no deja de ser rico cultural y artísticamente.
ENSAYO RELACIÓN ARTE-MUERTE
Arte. (Del lat. ars, artis, y este calco del gr. τέχνη). amb. Virtud, disposición y habilidad para hacer algo. 2. Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros. 3. Conjunto de preceptos y reglas necesarios para hacer bien algo.
Muerte. (Del lat. mors, mortis). f. Cesación o término de la vida. 2. En el pensamiento tradicional, separación del cuerpo y el alma.
EL HOMBRE: UN SER MORTAL Y ARTÍSTICO POR NATURALEZA
La muerte y el arte tienen una relación muy estrecha. Pero la muerte sale ganando una trascendencia mental en su relación con el arte, que la asume con estremecimientos sensoriales de vida, ya que a través de la historia el hombre ha buscado la manera de interpretar la muerte por medio del arte y para este fin se ha valido de las representaciones iconográficas que crea teniendo como base su cultura.
Muerte y arte desde tiempos muy remotos han conservado su estrecha relación, pues según creencias y expresiones humanas “el arte lo recicla todo”, y más que nada la muerte, que sale convertida en noción estética distanciada.
La muerte se ha convertido en temática artística desde todos los ámbitos y el arte se ha concebido como una opción válida de engalanar la muerte para unos cuantos y que mejor ejemplo de esto que la visita al Museo Cementerio San Pedro, en donde claramente se refleja el estatus y las tendencias artístico-culturales de una familia o personaje con sólo ver el mausoleo donde reposan sus cuerpos o restos mortales.
Muerte. (Del lat. mors, mortis). f. Cesación o término de la vida. 2. En el pensamiento tradicional, separación del cuerpo y el alma.
EL HOMBRE: UN SER MORTAL Y ARTÍSTICO POR NATURALEZA
La muerte y el arte tienen una relación muy estrecha. Pero la muerte sale ganando una trascendencia mental en su relación con el arte, que la asume con estremecimientos sensoriales de vida, ya que a través de la historia el hombre ha buscado la manera de interpretar la muerte por medio del arte y para este fin se ha valido de las representaciones iconográficas que crea teniendo como base su cultura.
Muerte y arte desde tiempos muy remotos han conservado su estrecha relación, pues según creencias y expresiones humanas “el arte lo recicla todo”, y más que nada la muerte, que sale convertida en noción estética distanciada.
La muerte se ha convertido en temática artística desde todos los ámbitos y el arte se ha concebido como una opción válida de engalanar la muerte para unos cuantos y que mejor ejemplo de esto que la visita al Museo Cementerio San Pedro, en donde claramente se refleja el estatus y las tendencias artístico-culturales de una familia o personaje con sólo ver el mausoleo donde reposan sus cuerpos o restos mortales.
Pues si bien con el correr del tiempo han cambiado las expresiones artísticas, también han cambiado las mentalidades de las personas en las diversas sociedades y la muerte se ha convertido en una situación a la que ya muy pocos temen llegar.
La variedad de significados encontrados en las secciones del Cementerio son la muestra de que aún después de muertos la clase social prevalece y sigue reflejándose en los estilos, arquitecturas y lugares en los que reposa el cuerpo fallecido.
Por otra parte cabe decir, según lo apreciado en la visita al camposanto que el ser humano guarda nociones muy claras del significado del arte en su vida, pues ¿qué sentido tendría adornar una tumba con tantos detalles cuando en realidad no se tiene conocimiento de las representaciones allí hechas?
Las nociones arte/muerte, son cuestiones difícilmente separables debido a que se contienen mutuamente y no es fácil concebir el arte sin la idea de la muerte, por muy fácil que en ocasiones resulte (para algunos) concebir la muerte sin la idea del arte.
Para concluir, puede afirmarse que uno de los lugares con mayor antigüedad en Medellín permanece aún intacto para seguir siendo patrimonio ciudadano y preservar en el tiempo lo que en silencio cuenta la historia de una ciudad en desarrollo, cambiante y costumbrista de la cual hay mucho por saber. El Museo Cementerio San Pedro, es un espacio que se preserva tal como era hace algunos años atrás y en el cual se evidencia un poco de historia de “Lo que el tiempo no se llevó“
Bibliografía:
*Definición de conceptos:
Diccionario de la Real Academia de la Lengua Española (RAE) Microsoft® Encarta® 2008.
*Fotografías:
Diana Marcela Arias A. Museo-Cementerio San Pedro, 2009.
TALLER DE CLASE- Marzo 19
ACTIVIDAD:
Leer el documento “La importancia de la tradición” y comentar:
a) El arte no existe, realmente tan sólo los artistas.
b) Cuál es la relación: Ilusión, imagen, arte.
c) Definición de “testigo ocular”.
d) ¿Qué son los estilos? ¿Por qué cambian?
e) Papel de la percepción frente a la apreciación del arte.
f) ¿Qué es el “ojo inocente”?
g)¿Quién es el entrevistado?
SOLUCIÓN
a) Según el entrevistado, realmente el arte es considerado como algo subjetivo y variable a lo que se le puede dar múltiples sentidos y que está determinada por la cultura, mientras que el artista sigue siendo uno solo a pesar de que casi cualquiera puede serlo siempre que tenga una noción de lo que para él puede ser el arte.
b) El arte crea o recrea imágenes que pueden a su vez convertirse en un concepto ilusorio que requiera de interpretación más que de apreciación.
Leer el documento “La importancia de la tradición” y comentar:
a) El arte no existe, realmente tan sólo los artistas.
b) Cuál es la relación: Ilusión, imagen, arte.
c) Definición de “testigo ocular”.
d) ¿Qué son los estilos? ¿Por qué cambian?
e) Papel de la percepción frente a la apreciación del arte.
f) ¿Qué es el “ojo inocente”?
g)¿Quién es el entrevistado?
SOLUCIÓN
a) Según el entrevistado, realmente el arte es considerado como algo subjetivo y variable a lo que se le puede dar múltiples sentidos y que está determinada por la cultura, mientras que el artista sigue siendo uno solo a pesar de que casi cualquiera puede serlo siempre que tenga una noción de lo que para él puede ser el arte.
b) El arte crea o recrea imágenes que pueden a su vez convertirse en un concepto ilusorio que requiera de interpretación más que de apreciación.
ILUSIÓN
(Del lat. illusĭo, -ōnis). f. Concepto, imagen o representación sin verdadera realidad, sugeridos por la imaginación o causados por engaño de los sentidos.
(Del lat. illusĭo, -ōnis). f. Concepto, imagen o representación sin verdadera realidad, sugeridos por la imaginación o causados por engaño de los sentidos.
IMAGEN
(Del lat. imāgo, -ĭnis). f. Figura, representación, semejanza y apariencia de algo.
(Del lat. imāgo, -ĭnis). f. Figura, representación, semejanza y apariencia de algo.
ARTE
(Del lat. ars, artis, y este calco del gr. τέχνη). amb. Virtud, disposición y habilidad para hacer algo. 2. Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros. 3. Conjunto de preceptos y reglas necesarios para hacer bien algo.
c) Testigo ocular quiere decir testigo de vista, pero según el principio que el entrevistado creó (eyewitness principle) quiere representarse una escena para crear la sensación de que el observador se encuentra en ella a partir del ángulo desde donde se enfoque, algo así como la perspectiva.
d) Según el entrevistado, “El estilo es una expresión directa de `el espíritu de la época`, una especie de superartista que crearía las cosas espontáneamente” y cambia para satisfacer nuevos gustos, se resalta mucho la idea de que el estilo va muy ligado a los tiempos y las culturas.
e) La percepción consiste en recibir a través de los sentidos las imágenes, impresiones o sensaciones externas, lo cual permite afirmar que la percepción desempeña un papel muy importante a la hora de apreciar el arte, pues así se le puede encontrar el valor y significado verdadero a lo que se conoce como “arte”
f) Quizá sería riesgoso llamarlo teoría, por lo que mejor lo denominaría una “idea” que busca que el artista produzca una interpretación sin que aparezca ninguna manera, es decir que sea única.
g) El entrevistado es Ernst Hans Gombrich (1909-2001), historiador del arte austriaco, nacionalizado británico. Además de ser un reconocido erudito sobre el renacimiento italiano, contribuyó de forma significativa a la teoría del arte.
La obra de Gombrich se caracteriza por su amplitud temática, que abarca desde la psicología y las ciencias sociales, hasta la historia del arte. A Gombrich le interesaba sobre todo la psicología de la percepción y la representación pictórica, de la que extrajo interesantes conclusiones sobre la forma en que percibimos las obras de arte. Como ejemplo de sus planteamientos interdisciplinarios están sus libros:
· Arte e ilusión (1960),
· Meditaciones sobre un caballo de juguete (1963),
· Norma y forma (1966), Tras la historia de la cultura (1969)
· El sentido del orden (1979).
(Del lat. ars, artis, y este calco del gr. τέχνη). amb. Virtud, disposición y habilidad para hacer algo. 2. Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros. 3. Conjunto de preceptos y reglas necesarios para hacer bien algo.
c) Testigo ocular quiere decir testigo de vista, pero según el principio que el entrevistado creó (eyewitness principle) quiere representarse una escena para crear la sensación de que el observador se encuentra en ella a partir del ángulo desde donde se enfoque, algo así como la perspectiva.
d) Según el entrevistado, “El estilo es una expresión directa de `el espíritu de la época`, una especie de superartista que crearía las cosas espontáneamente” y cambia para satisfacer nuevos gustos, se resalta mucho la idea de que el estilo va muy ligado a los tiempos y las culturas.
e) La percepción consiste en recibir a través de los sentidos las imágenes, impresiones o sensaciones externas, lo cual permite afirmar que la percepción desempeña un papel muy importante a la hora de apreciar el arte, pues así se le puede encontrar el valor y significado verdadero a lo que se conoce como “arte”
f) Quizá sería riesgoso llamarlo teoría, por lo que mejor lo denominaría una “idea” que busca que el artista produzca una interpretación sin que aparezca ninguna manera, es decir que sea única.
g) El entrevistado es Ernst Hans Gombrich (1909-2001), historiador del arte austriaco, nacionalizado británico. Además de ser un reconocido erudito sobre el renacimiento italiano, contribuyó de forma significativa a la teoría del arte.
La obra de Gombrich se caracteriza por su amplitud temática, que abarca desde la psicología y las ciencias sociales, hasta la historia del arte. A Gombrich le interesaba sobre todo la psicología de la percepción y la representación pictórica, de la que extrajo interesantes conclusiones sobre la forma en que percibimos las obras de arte. Como ejemplo de sus planteamientos interdisciplinarios están sus libros:
· Arte e ilusión (1960),
· Meditaciones sobre un caballo de juguete (1963),
· Norma y forma (1966), Tras la historia de la cultura (1969)
· El sentido del orden (1979).
Aunque los escritos de Gombrich abarcan también el arte contemporáneo, su interés se centra sobre todo en el renacimiento italiano. A pesar de la complejidad intelectual de la mayor parte de su obra, su Historia del arte (1950) explica de forma amena la historia del arte occidental y es uno de sus libros más leídos.
Gombrich ejerció una enorme influencia en el campo de la historia del arte y abrió un diálogo muy productivo entre los historiadores y los eruditos de otras disciplinas. Falleció el 3 de noviembre de 2001 en Londres.
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